ALFREDO ALCAÍN

Galería Marisa Marimón
Hasta el 15 de julio

De lo espiritual en arte

El artista Alfredo Alcaín, Premio Nacional de Artes Plásticas, ha sido invitado
por la galería Marisa Marimón, de Ourense, a mostrar su obra reciente.
Desde la serena quietud de su experiencia vital y artística, ofrece composiciones
pictóricas sincopadas y rítmicas. Él es, un maestro contemporáneo.
El conjunto de obras que Alfredo Alcaín (Madrid, 1936) exhibe en la actualidad
en tierras gallegas, pone en valor el buen entendimiento al que el
artista ha llegado en su relación con las musas, tras años de fidelidad
amatoria. Desde sus inicios respaldados por una rigurosa formación académica
en pintura, grabado y escenografía, hasta el actual triunfo de la
espiritualidad en su arte, ha caminado en silente reflexión por fascinantes
y fértiles etapas.
Conoció y participó de la iconografía pop, en una España estigmatizada
por la dificultad de ser periferia creacional. A la corriente pop patria, le
aporta Alcaín, ciertos matices de sinceridad castellana, pues su gusto por
la arquitectura popular matritense y su interés por los bodegones cezannescos
saturados de visión impresionista, le predisponen hacia unas peculiares,
célebres e industriosas composiciones de paisajes e interiores, cargadas
de singularidad, aún dentro del flujo popero. Lo mismo que Marcel
Proust, quien bajo el sortilegio de la memoria y el tiempo dio forma a la
forma moderna de la novela, así Alcaín, buscando su tiempo perdido,
tomó imágenes de un Madrid pasado y de unas láminas de naturalezas
muertas, antiguas también, para dominar con su memoria al tiempo y
trasladar ciertas visiones de adolescencia, hasta el arte pop de su incipiente
etapa de adulto. Junto a la pintura de esos años, también ahonda en la
técnica del collage, ejercitando de nuevo la metáfora del recuerdo. De la
memoria toma pequeños fragmentos encontrados al azar, para "encolar-
los" en una novedosa realidad soportada por la obra del artista. Algunas de
estas obras, mezclan ya cuestiones de alta cultura con retazos pop, en una
suerte de cuaderno de viajes, donde las impresiones quedan supeditadas a la
composición melódica de la obra final y ésta a la composición sinfónica de la
serie. Pues Alfredo Alcaín, es un sinfonista, un creador de largas series ordenadas
por movimientos y de necesaria reflexión en la ejecución y en la percepción.
Aún en un diálogo entre lo impresionista y lo espiritual, realiza en las postrimerías
de los años ochenta, una larga serie denominada Cezanne petit-point.
En ella se conjugan el color de la memoria de las impresionistas imágenes de
bodegones de Cezanne, con la ironía del pop. En esta serie revisita esos paisajes
y bodegones habitados por manteles, manzanas, fruteros y habitaciones
con vistas; y al hacerlo introduce un retruécano sobre la estética contemporánea
de aquellos años, una paráfrasis de la creación objetual y satíricamente
cursi.
El propio Alfredo Alcaín, explica que los cambios y las progresiones en su trabajo,
obedecen a una tendencia natural. Una temática se enlaza con la
siguiente y aún de la última cabe esperar una nueva metamorfosis. Todo ello
se alcanza en el silencio de su estudio, en donde el arte como oficio triunfa
acompañado en ocasiones de la música de Mozart y de Bach. Me explica, que
últimamente, disfruta más del silencio que de la música. A esa confesión atribuyo
yo en la conversación con Alcaín, algún motivo audaz y curioso como la
metafísica que a él interesa, evocando a Morandi en algunos de sus bodegones
tridimensionales. Pero lejos de acertar con los motivos del maestro, me
explica, que pone poca música porque anda un poco sordo y no oye el teléfono,
ni el timbre de la puerta si convoca, como es su gusto, a los barrocos a
todo volumen. Esa austera explicación, es parte manifiesta de la espiritualidad
y sabiduría con la que se rige la obra de Alcaín en la actualidad, nada de
pompa o circunstancia y mucho de sosiego inquieto.
Obra reciente
Wassily Kandinsky, en el ensayo homónimo del que toma título este artículo,
explica cómo las composiciones constructivas, que es una manera de
calificar el actual trabajo de Alcaín, se forman a partir de simples formas con
valor interno que se encuadran por medio de ritmos en otras composiciones
mayores, llegando al estadío de melodía. Ésta forma a su vez parte eventual
de una sinfonía.
Así en los cuadros de Alcaín, unas dúctiles ondas celestes sobre fondo cobalto
se repiten melódicas y alcanzan a llenar la superficie toda del lienzo,
dejando tan sólo un espacio neutral virgen, que sirve de coda para el negativo
de la onda, que al ser representado sirve de movimiento final de esta
sinfonía plástica.
Las formas de inspiración de este trabajo no son las impresiones simplemente,
sino que obedecen a una más compleja reflexión. Hay elementos de
la inspiración o la impresión, como las imágenes retinianas de infancia o las
intelectualizadas de los cuadros de los grandes maestros. Hay una parte de
improvisación, la que procede de la alquimia en el estudio o de la aprehensión
de una forma al azar o la de un color accidental. Hay en fin, la subjetiva
madurez de la composición, que obedece al corredor de fondo, que tras
años de sincero trabajo es capaz de reiterar con seriedad composiciones tan
consecuentes como intangibles, lo que las convierte en un regalo para los
sentidos y en una cartesiana arborescencia. Hay pocas cosas tan bellas
como la sencilla racionalidad de las composiciones contrapuntísticas de los
actuales cuadros de Alcaín, los cuales son además resultado de años de
humilde subjetivización plástica.
Uno de estos cuadros pintados por Alcaín, que podrían ser excelsos patterns
para muros, suelos, techos y tejidos con los que realizar escenografías de
obras de arte total, sirvió de cartel en la Semana de Música Religiosa de
Cuenca, en su edición de 2004. La Misa en si menor, BWV 232 de J. S. Bach,
fue una de las obras que se representaron en esa edición. A buen seguro
que las sutilezas espirituales de Alcaín, se vieron regaladas como nunca
con el don de la ubicuidad al acompañar visualmente al Kantor de Leipzig.
Sean adictos a las artes.

Román Padín Otero

BERND Y HILLA BECHER

Tipologías de edificios industriales
Fundación Telefónica. Madrid
Hasta el 7 de Agosto

La exposición retrospectiva de Bernd y Hilla Becher Tipologías de edificios
industriales, que PhotoEspaña 2005 ha traído a Madrid, es una de las
muestras baluarte del Festival.
La exposición llega del Centro Pompidou de París y abarca el trabajo de
Bernd & Hilla Becher de los últimos 40 años. Cruciales para el reconocimiento
de la fotografía en el contexto del arte moderno, desde 1970 se
han editado publicaciones con sus imágenes y han participado en numerosas
exposiciones. En 1999 representaron a Alemania en la Bienal de Venecia
(Italia) y han estado presentes repetidamente en la Documenta de Kassel
(Alemania). Se cuentan entre los artistas más importantes del momento y
son precursores de una corriente documental entre cuyos miembros destacan
Andreas Gursky, Thomas Ruff y Thomas Struth.
Brend y Hilla Becher están considerados los padres de la fotografía documental
alemana, y han conseguido elevarla a la categoría de arte. La estética
depurada que rige sus obras consigue dar al edificio o construcción
industrial, una esencia casi icónica. Él en el centro, con un magnífico juego
de luces y sombras que consigue destacar sus diferentes volúmenes, formas
y recovecos, es el único protagonista. No hay ninguna interferencia, ni
nubes, ni humo, ni tan siquiera el más mínimo atisbo de presencia humana.
La gran sala de la Fundación Telefónica se divide en la planta baja en dos
espacios, donde se presentan las fotografías reunidas en series de tipológicas
con diferentes números de ejemplares. El espacio totalmente aséptico,
enfrenta al espectador con los conjuntos fotográficos en los que se presentan
todo tipo de edificios industriales, las diferentes composiciones consiguen
un protagonismo intrínseco a la gama de color, el negro sobre el
blanco de la sala, los hace destacar.
Depósitos de agua, altos hornos, torres de refrigeración... todos prácticamente
obsoletos, en enclaves diferentes, aunque quizá no tanto; Francia
o Alemania; Europa o Estados Unidos... llegas incluso a dudar si se trata
de la misma estructura, todas similares, uniformadas y con una misma
finalidad, la destrucción por abandono.
A lo largo de las salas el visitante encuentra un tipo de testimonio fotográfico
en el que, la próspera y oscura época que nos llevó a la Era
Moderna, aparece reflejada en su más profunda decadencia. Un patrimonio
industrial abocado a convertirse en objeto de culto de la arqueología
moderna, que rememora un momento histórico en el que la industria y las
grandes infraestructuras movían una economía basada ahora en el microchip.
La muestra, comisariada por Armin Zweite, entra dentro de la corriente
documental alemana, pero el juego de composiciones está servido y va
más allá de lo puramente objetivo. ¿Podría ser casual contraponer en el
muro diferentes tipos de Castilletes de extracción de la industria minera?
Ejercicio, analiza como la construcción efímera de madera prácticamente
ha desaparecido por el deterioro y la intemperie mientras, otros edificios
de ladrillo se mantienen impasibles al paso del tiempo, con el encanto del
neogótico del principios del siglo pasado, sin duda da un aire de nostalgia
y evocación.
La pequeña sala destinada a los altos hornos es de las más interesantes,
los juegos de volumen de los grandes tubos y tuberías, son el centro del
objetivo, en zig-zag, una onda, el extraño y caprichosamente estudiado
subir y bajar, casi orgánico y maleable, la precisión es tan grande que sólo
un diminuto camión en la parte baja de la foto te recuerda, lo mínimo que
resultas ante tan imponente estructura.
La primera exposición individual que estos dos maestros de la imagen
ofrecen en España, será uno de los referentes dentro del itinerario a seguir
por los asiduos a las exposiciones fotográficas del Festival.

Mónica Cachafeiro

CHEMA MADOZ

Galería Moriarty. Madrid

Hay algunas cosas, dentro del complicado mundo del arte, que llaman
más la atención que otras. Cosas que interesan más y cosas que tal vez
puedan pasar inadvertidas en una primera, y tal vez una segunda, mirada.
Pero esas cosas que nos interesan, las que hacen que unos elementos
se destaquen del resto, que se individualicen, son las verdaderamente
importantes.
En el caso de la obra de arte esas "cosas importantes" de las que hablo
suelen estar ocultas en el proceso de creación de la pieza. Ese proceso en
el que surge la idea en primer lugar. La idea o el interés por mostrar algo
que cuente cosas, algo que enganche la mirada y el ingenio del espectador.
Luego viene la elección del medio a través del cual se van a contar y
por fin la obra. Este proceso de producción de la obra, generalmente,
suele ser de más interés que la obra misma, por verse de una manera más
inmediata el valor del autor.
Este proceso del que hablo tiene en el caso de Chema Madoz una importancia
singular. Madoz se expresa fundamentalmente con la fotografía
como lenguaje y como soporte, pero se da el caso de que muchas de las
cosas que aparecen en su trabajo son piezas igualmente elaboradas por él
y no elaboradas de una manera casual, como quien prepara un escenario
que sirva de cobertura. Los objetos de Madoz, a veces muy cercanos a la
poética del objeto de Brossa, son piezas en si mismas, es decir, obras individuales
y acabadas, que podrían funcionar solas. Tal es así su trabajo que
podemos hablar de una doble creación: por una parte el objeto y por otra
la fotografía. Esto ha llevado a algunos a preguntarse si la obra definitiva
es la pieza fotografiada o la fotografía. Nosotros sabemos que la obra final
es la foto, pero valoramos muchísimo el objeto.
Esto hace que sus obras parezcan realmente lo que no son. Antes decía
que hay una clara apuesta por la poética del objeto, por lo sublime de lo
cotidiano y eso es lo verdaderamente poético: la transformación de lo
popular y repetitivo en bello, en singular. Esto nos obliga a mirar de una
forma diferente. Nos obliga a ver las cosas, a calibrar. El mirar simplemente
es algo fisiológico; ver es más un proceso intelectual, cualitativo, que
nos obliga ha hacer un razonamiento, a emitir un juicio de valor.
En el caso de las obras seleccionadas para la muestra que actualmente
podemos disfrutar en Moriarty se mantiene fiel al blanco y negro. El blanco
y negro parece tener la posibilidad de congelar la realidad, envolverla
en un espacio atemporal y, por supuesto, más imaginativo y espiritual.
En este proceso hay, como decía, una cercanía feliz con Brossa, pero también
una cierta admiración, un interés por el trabajo de Vik Muniz, Wim
Delvoye, Liliana Porter o Mona Hatoum.
El conjunto de obras que componen la muestra que Moriarty presenta en
Photoespaña, ponen de manifiesto no solo la fotografía como obra y la
sutileza de ésta en el trabajo de Madoz, sino su dedicación a la "fabricación
de objetos" con una extraordinaria capacidad poética y evocadora. Es
la montaña estirada por el hilo o el tiempo detenido en el vuelo de una
mariposa.
Estos objetos son en muchos casos, por qué no decirlo, objetos surrealistas
en el sentido de mezclar distintos elementos que posibilitan nuevas
lecturas, pero que también tienen algo de absurdo. El caso del frasco de
perfume-jeringuilla es realmente bello. Es el olor del cuerpo, inyectable,
como una fragancia interior. De la misma manera son los pendientes-auriculares
o el huevo-taza.
Tal vez los más sugerentes de la colección sean la llave-lupa, un objeto
que abre puertas y que nos permite mirar más allá, descubrir secretos.
Como secretos nos descubre el libro-mirilla y todo el poder evocador y
poético del trabajo de Chema Madoz.

Juan-Ramón Barbancho

EMPIRISMOS. NUEVOS LENGUAJES DOCUMENTALES DE ESPAÑA Y
PORTUGAL

Galería 98. Centro Cultural Conde Duque. Madrid
Hasta el 10 de Julio

PhotoEspaña 2005 se inauguró con Empirismos. Nuevos lenguajes documentales
de España y Portugal, la primera de las citas fotográficas de este
Festival Internacional que, en esta ocasión girará alrededor del tema de la
ciudad. Forma parte de los proyectos realizados desde el Ayuntamiento de
Madrid, comisariada Horacio Fernández, también comisario de esta edición
PhotoEspaña, y Sergio Mah, comisario de LisboaPhoto 2005.
Empirismos. Nuevos lenguajes documentales de España y Portugal es una
propuesta organizada en colaboración con LisboaPhoto, en la en que a través
de diez artistas visuales españoles y portugueses, la mitad desde
Madrid y la otra mitad desde Lisboa, se plantea una nueva formulación de
los lenguajes documentales.
Los artistas Lara Almárcegui, Pedro Gusmão&João Maria Paiva, Manuela
Marques, Gonzalo Puch y Fernando Sánchez Castillo, estarán en Lisboa,
mientras que Jerónimo Álvarez, Augusto Alves da Silva, Antonio Julio
Duarte, João Tabarra y Juan Ugalde, presentan sus trabajos en la Galería
del 98 del Centro Cultural Conde Duque. A través de esta exposición se
pretende acercar al espectador a los trabajos visuales más recientes de
estos artistas, algunos inéditos o realizados ex profeso para PhotoEspaña.
Antonio Julio Duarte es el primero de los artistas que encontramos en las
salas, presenta dos series fotográficas neodocumentales, We Can't Go
Home Again con imágenes de la vida urbana en las grandes ciudades de
China, y el titulado Cánil, una reflexión sobre la posible condición humana.
Nos sitúa ante en el interior de una perrera de aire casi hospitalario,
blanco y azulejado, en definitiva sombrío; la mirada huidiza y atemorizada
de aquellos que la ocupan, inunda de ternura y un poco de ansiedad,
quizá uno de esos temas que nos lleva a girar la vista a diario.
El proyecto firmado por Juan Ugalde, Ciudad Nueva Visión, es una parodia
de la campaña publicitaria que promociona la construcción de una
nueva ciudad.
En una pequeña sala, con dos sillas y un vídeo promocional, recrea las oficinas
que las inmobiliarias sitúan en la obra. Los carteles, una maqueta y
la película de la nueva ciudad llevan al espectador a reflexionar sobre la
verdadera insostenibilidad del desarrollo inmobiliario.
La capacidad de convertir las zonas más yermas, cercanas a ninguna
parte, en atractivas urbanizaciones totalmente vigiladas, valladas y clónicas,
en las que no resulta extraño encontrar una pista de tenis junto una
gran grúa que genera más y más viviendas.
El proyecto está envuelto con un toque de humor a través de frases en los
carteles como Descampados con encanto, o Le gusta realmente mucho,
mucho conducir, pero siempre con un humor ácido que se esconde tras la
reflexión de sustituir la "o" de Nueva Visión en forma de por una calavera.
João Tabarra trata en sus vídeos de la retórica de la representación en
Olhos nos olhos trabaja sobre la fotografía de Che Guevara de Alberto
Korda, con una tridimensionalización digital, le confiere volumen y movimiento,
hasta sumergir al espectador en la retina del símbolo político.
Jerónimo Álvarez presenta un trabajo constituido por una serie de retratos,
personajes cotidianos que transmiten una idea de interculturalidad, y
representaciones de paisajes urbanos. Conjunto que muestra Los Ángeles
como prototipo de ciudad global.
En la última parte de la exposición entramos en la instalación de Augusto
Alves da Silva A nossa liberdade. El artista pretende reflejar la banalidad
de la vida urbana tras los atentados del 11-S, a través de una doble proyección
enfrentada. Imágenes que se repiten, se ralentizan y aceleran; en
las que el impacto sonoro llega a ser mayor que el visual, el juego del
silencio con una gran explosión final que hace al espectador sobrecogerse.
En definitiva, una muestra que analiza la ciudad desde cinco puntos de
vista diferentes, que se aunan por el nuevo planteamiento del lenguaje
neodocumental aplicado al arte, y un afán reflexivo que el espectador no
podrá eludir.

Mónica Cachafeiro

JOAN MOREY
NUEVA OLA Desencert
A time to love and a Time to Die

INJUVE/ Sala Amadís
Hasta el 17 julio

Joan Morey, fue elegido premio fotógrafo revelación de PHE04, y para
reconocérsele este galardón, Injuve ha realizado una exposición en la que
el joven artista mallorquín analiza los cambios culturales en varias generaciones.
Convertido en una de las promesas del arte fotográfico, Morey
ha participado en la última edición de Arco, y en la Bienal de Venecia, en
Milán, en Sydney... Pero el artista actual busca y consigue aunar todo tipo
de desarrollo artístico y cultural en su persona. Una multidisciplinaridad
que Joan Morey refleja combinando su trayectoria como artista visual con
colaboraciones en soportes editoriales como la revista Suite, además de
ser el creador de la marca STP_Soy Tu Puta, bajo la que trabaja interactuando
con mecanismos y lenguajes de la moda y el arte.Una oscura escalera
de bajada nos introduce en la sala donde un pequeño proyector de
diapositivas marca un ritmo sonoro constante, acompañando al video que
se proyecta en la gran pantalla dominando la pared. La única luz que ilumina
la sala es la que permite descubrir la serie de veintisiete fotografías
en las que aparecen andróginos modelos sexualmente ambiguos, aunque
explícitos, retratos en los que reflexiona sobre sentimientos como el amor,
la indiferencia o la decepción. El estatismo de los retratos surge de la propia
proyección, una especie de making off en el que los modelos corren,
posan y se relacionan. Rápidos movimientos de cámara con vertiginosos
planos en picado y contrapicado, unos zapatos o unos guantes como hilos
conductores todo acompañado de una banda sonora que deriva de la tranquilidad
musical al más ensordecedor estruendo del tráfico urbano y un
cantante de rock un tanto siniestro que parece un personaje ensoñado. La
estética que impregna la sala resulta sórdida y monocroma, un blanco y
negro que solo abandona el vídeo en pequeños fragmentos y en dos fotografías
de la amplia serie.
El vídeo como el leit motiv de todo el montaje, es una performance que
se rodó en Barcelona, pero que también se realizó en Madrid para la exposición
que nos ocupa.
NUEVA OLA Desencert A time to love and a Time to Die es un proyecto
creativo que gira en torno a la idea de la deformación, tergiversación y/o
mala interpretación de los conceptos culturales con el paso de los años.
Una muestra de arte conceptual alejada de los convencionalismos, un
mensaje disperso, en el que el espectador tendrá que hacer un ejercicio
para eliminar las barreras que lo alejan de los nuevos conceptos y técnicas
resolutivas que se plantean. Un detalle a agradecer el del folleto, una
reproducción de la fotografía de las manos entrelazadas, quizá la más
poética de todas.

Mónica Cachafeiro

KEITH HARING
Memoria Urbana

Museo Colección ICO. Madrid
Hasta el 31 de julio

La muestra, organizada por la Museo Colección ICO en colaboración con
Keith Haring Foundation, rescata el arte urbano de Haring a través de
imágenes que reflejan sus obras desaparecidas, con un planteamiento de
montaje de lo más original.
Al contrario, que en la mayoría de las exposiciones las imágenes no se
encuentran colgadas en las paredes, sino en unas mesas donde el visitante
puede asomarse y ver distintas series en pequeño formato. Casi como
un álbum privado, las fotografías, captadas en el momento de creación de
los graffitis, posando con amigos o la obra en sí misma... reflejan la mejor
manera de dar continuidad temporal a un tipo de creación concebida para
su desarrollo en el marco urbano, con lo efímero e inestable que supone.
Todo este despliegue expositivo funciona como testigo de la obra y vida
de Keith Haring, apoyado con textos, catálogos y vídeos en los que el visitante
pueda entrar en contacto y conocer de una manera más directa al
malogrado artista.
El joven Haring representaba la contracultura de los años ochenta.
Comprometido con los movimientos de barrio y los colectivos más desatendidos,
consiguió combinar gracias a su formación, a los artistas del
graffiti autodidactas y la corriente principal de artistas jóvenes, siendo
junto a Basquiat, uno de los principales baluartes de la estética del
momento.
En una época en la que las culturas urbanas comenzaban a bullir, y las
expresiones artísticas callejeras como el graffiti y el breakdance, eran consideradas
un acto vandálico digno del más duros de los castigos, Haring
elaboró toda una serie de iconos y símbolos que poco a poco fueron asentándose
gracias a una frenética actividad en estaciones de metro, farolas,
vallas publicitarias y demás mobiliario urbano.
Su iconografía se inspiró desde el principio en los dibujos animados, y se
dejó influenciar por arte esquimal, africano, maya, y otras expresiones
artísticas, toda una mezcla que caracteriza la concreción en una estética
semiabstracta de líneas gruesas y silueteado. Su imaginería está repleta
de elementos sexuales con platillos volantes, personas y perros, a los que
se añadieron más tarde las figuras corriendo, bebés gateando, la famosa
cara sonriente, pero también televisiones, teléfonos y referencias a la
energía nuclear.
Haring consiguió que todo este elenco de símbolos se convirtiera en objeto
de culto, a través del marketing y merchandising publicitario y llegó a
abrir una boutique en la que vendía sus productos, de fama mundial. A
pesar de su gran éxito en el mercado nunca llegó a abandonar los circuitos
callejeros y su fuerte compromiso con los más desfavorecidos, fundando
en 1989 la Keith Haring Foundation centrada en los problemas sociales.
A través de la exposición, podemos entrar en contacto con el espíritu creativo
del artista, los atisbos de sus obras y la relevancia que alcanzó en
su momento. Los textos y catálogos son biográficos, relatando anécdotas,
proyectos y trabajos internacionales. El montaje de video, en la segunda
planta, muestra diferentes fragmentos en los que podemos ver a Madonna
con una traje estampado por Haring, al artista pintando una gran lona
mientras un bailarín interpreta una pieza conceptual y otros momentos
creativos.
Además, se presentan algunas de las piezas callejeras que se conservan
del artista, y el espectador puede así entrar en contacto con la dimensión
más tangible de la obra, dos grandes paneles de papel dibujados con tiza
blanca y unos carteles publicitarios con sus típicos personajes.
Finalmente, para captar la dimensión más populista de la exposición no te
pierdas los jueves y sábados, un taller para familias y niños donde los
pequeños entran en contacto con la estética y técnica del artista y su propio
"yo" más creativo.

Mónica Cachafeiro